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Licht als Architekt von Raum

Posted by PM-Ersteller - 30/04/25 at 09:04:01 a.m.

Dieser Beitrag wird Redaktionen zur honorarfreien Veröffentlichung zur Verfügung gestellt. Abdruck oder Online-Veröffentlichung sind unter Nennung des Autors ausdrücklich erlaubt.

_Die schöpferische Kraft des Lichts in der Fotografie_

Wer mit den Augen eines Avantgarde-Photographen blickt, entdeckt Licht nicht als Mittel zum Zweck. Er sieht etwas Bewegliches, etwas, das lebt. Licht wird zum atmenden Stoff, aus dem Räume geboren werden. Jede Linie, jede Fläche, jede Geste wächst aus seinem Spiel heraus – nicht als Zufall, sondern als bewusste Schöpfung. In der modernen Mode- und Produktfotografie ist Licht längst mehr als bloße Beleuchtung. Es tritt aus der zweiten Reihe und übernimmt die Regie, gestaltet Räume, Bilder, Atmosphären.

Künstler wie László Moholy-Nagy haben diesen Gedanken früh verinnerlicht. Seine Experimente mit dem Licht-Raum-Modulator zeigen Licht als aktives Material – nicht als passives Mittel. Flüchtige Räume aus Licht und Schatten entstanden, atmend, schwebend, sich ständig wandelnd. Für Moholy-Nagy war Licht nicht der Diener der Form – es war die Form selbst. Diese Sichtweise hat unser Sehen tief beeinflusst, oft subtil, oft tiefer, als wir im Alltag wahrnehmen.

In den Bilderwelten unserer Gegenwart lebt diese Idee weiter. Man sieht sie in Modekampagnen, die Überbelichtung nicht als Fehler, sondern als Ausdrucksmittel feiern. In Architekturfotografien, wo Schatten nicht nur begleiten, sondern formen. In Produktaufnahmen, in denen Spiegelungen alternative Realitäten erschaffen.

Praktische Anwendung: Licht als lebendiges Baumaterial

Nach einem Sommerregen verwandelt sich Asphalt in eine vibrierende Bühne. Neonlichter, Scheinwerfer, Straßenlaternen spiegeln sich auf der nassen Oberfläche. Wer sich tief genug herablässt, entdeckt, wie Lichtlinien zu Flächen werden, wie Bewegung und Reflexion verschmelzen. In engen Gassen werfen Laternen harte Schatten auf Wände und Pflaster. Wer mit dem Standpunkt spielt – manchmal reicht eine leichte Drehung oder ein Schritt zur Seite -, verwandelt den Raum in eine grafische Komposition aus Licht und Dunkel.

Manchmal bricht Licht zwischen Gebäuden durch, schmal wie ein Fluss, der sich einen Weg bahnt. Modelle, die diesen Lichtstrom durchqueren oder in ihm verharren, wirken plötzlich nicht mehr nur dreidimensional – sie verschmelzen mit dem Raum, werden Teil einer atmenden Architektur.

Und wo Glasfassaden, Wasserflächen oder polierte Metalle warten, entstehen Resonanzräume: Spiegelungen antworten auf das Licht, verzerren oder verdoppeln den Raum, lassen neue Dimensionen aufbrechen.

Aus der Praxis: Technik als Werkzeug, nicht als Trost

Bevor wir zu konkreten Techniken kommen, eines vorweg: Was hier beschrieben wird, entstand nicht aus der Jagd nach der neuesten Ausrüstung. Es ist gewachsen aus Praxis, aus Experimenten, aus Fehlern – und aus Begegnungen mit Räumen und Licht, die keine Bedienungsanleitung kannten.

In einer Zeit, in der Technik oft wie ein Schnellwaschgang für Bilder wirkt, zählt etwas anderes: Vertrautheit. Nicht die neueste Kamera entscheidet über die Tiefe eines Bildes. Sondern das Verständnis – für das Werkzeug, das Licht, den Moment. Eine Kamera, deren Eigenheiten man kennt, wird zum Partner. Oft weit wertvoller als das neue Modell in den Kinderschuhen.

Technik bleibt Mittel. Gestaltung entsteht dort, wo wache Wahrnehmung beginnt. Wo Licht nicht nur gesehen, sondern gefühlt wird.

Technische Umsetzung: Licht bewusst gestalten

Eine Veränderung des Standpunkts reicht oft aus, um einen Raum neu zu schreiben. Wer sich tief auf Augenhöhe mit dem Asphalt begibt, betont Reflexionen und Lichtflächen – das Bild wird offen, durchlässig, atmend. Ein hoher Standpunkt hingegen glättet das Chaos: Lichtbahnen und Schatten werden zu geordneten Flächen, fast wie grafische Entwürfe.

Belichtungszeiten sind keine Zahlenwerte – sie sind Entscheidungen: Willst du Licht einfrieren oder fließen lassen? Kurze Zeiten fangen Konturen wie scharfe Skizzen ein. Lange Zeiten lassen Licht zu Strömen verschmelzen.

Die Blende wiederum steuert die Atmosphäre. Offene Blenden machen Licht weich, träumerisch, erinnern an flüchtige Eindrücke. Geschlossene Blenden schneiden präzise, betonen Strukturen, legen Ordnung ins Bild.

Filter – vor allem Polarisationsfilter – helfen, Reflexe nicht dem Zufall zu überlassen, sondern sie bewusst zu gestalten: Licht wird entweder hervorgehoben oder zurückgenommen, je nachdem, welche Geschichte das Bild erzählen soll.

Und manchmal braucht es Mut zum Kontrast. Harte Übergänge zwischen Licht und Schatten schaffen Spannung. Sie erzeugen Dichte – und öffnen Räume für starke, erinnerbare Bilder.

Fazit: Licht formen, nicht nur sehen

Licht nur zu sehen, genügt nicht. Wer Licht formt, wer es als aktives, schöpferisches Material begreift, der überschreitet die Grenze der bloßen Fotografie. In seinen Händen wird Licht zur Sprache, zur Linie, zur Geste. Und jedes Bild, das aus dieser Haltung entsteht, trägt die Möglichkeit in sich, Raum neu zu denken, ihn nicht nur zu zeigen, sondern ihn zu erschaffen.

Es ist ein stilles, beinahe intuitives Spiel: Licht wird Formgeber, das Modell Impulsgeber, die Kamera Werkzeug und Verlängerung der Wahrnehmung. Jede kleine Bewegung des Lichts verschiebt den Raum; jede Haltung des Modells beeinflusst seine Grenzen. In jeder Entscheidung – Perspektive, Belichtung, Komposition – schreibt sich eine Architektur aus Licht.

In diesem bewussten Spiel lebt Moholy-Nagys Vermächtnis weiter. Nicht als Technik, nicht als Stilübung – sondern als Haltung: die Welt nicht nur zu erfassen, sondern mit Licht eine neue Welt zu schaffen.

Wer die Kamera ergreift, ergreift damit auch die Einladung: Licht nicht bloß zu benutzen, sondern mit ihm zu denken, zu fühlen, zu bauen.

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DREIFISCH
Herr Anselm Bonies
Greifswalder Str. 242
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Deutschland

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Willkommen – ich bin Anselm Bonies, kreativer Begleiter, der das Spiel zwischen Farbe, Form und Gestaltung als Herzstück meiner Arbeit versteht.

In meiner Welt dreht sich alles um die Symbiose aus Fotografie, Film und Grafikdesign. Für mich bedeutet kreatives Arbeiten, nicht nur eindrucksvolle Werke zu schaffen, sondern auch Geschichten zu erzählen und Dialoge zu eröffnen – und das in enger Zusammenarbeit mit Ihnen. Ich sehe mich als jemanden, der nicht nur gestaltet, sondern begleitet. Als kreativer Partner entwickle ich mit Ihnen gemeinsam visuelle Erlebnisse, die einen bleibenden Eindruck hinterlassen und die Wesenheit Ihrer Botschaft auf den Punkt bringen.

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Linien, Formen und Räume in der Avantgarde-Photographie

Posted by PM-Ersteller - 28/04/25 at 07:04:29 a.m.

Diese Pressemitteilung ist zur honorarfreien Veröffentlichung bestimmt. Abdruck – auch auszugsweise – ist ausdrücklich erwünscht. Bei Verwendung freuen wir uns über ein einen Veröffentlichungshinweis.

Wer mit den Augen eines Avantgarde-Photographen auf einen Menschen blickt, sieht nicht einfach ein Gesicht, einen Körper, eine Pose. _Er entdeckt Linien, Spannungen und Räume – unsichtbare Kräfte, die sich in Haltung, Bewegung und Umgebung entfalten._ In der Avantgarde-Photographie wird das Modell nicht bloß abgebildet, sondern wird selbst Teil einer raumbildenden Komposition. Besonders die Linie tritt dabei als zentrales Gestaltungsmittel hervor.

_Aus dieser Sicht ist die Linie weit mehr als eine bloße Begrenzung von Körpern oder Objekten._ Sie ist ein lebendiger Impuls im Raum: ein Vektor, der den Blick lenkt, Spannung erzeugt oder Bewegung suggeriert. _Schräge Linien lassen Flächen kippen, fordern Dynamik heraus. Horizontale Linien vermitteln Weite und Ruhe._ _Fragmentierte Linien – bewusst unterbrochen oder gebrochen – destabilisieren die Ordnung des Bildes und fordern die Wahrnehmung heraus, neue Strukturen zu erkennen._

Das Setzen einer Linie ist kein beiläufiger Akt. _Es gleicht vielmehr dem ersten Strich eines Malers auf der weißen Leinwand: entscheidend, präzise, voller Potenzial._ Jeder Impuls – ob durch die Haltung des Modells, die Führung der Arme, die Neigung des Kopfes oder die Platzierung im Raum – muss bewusst gestaltet sein.

Wie lebendig diese Prinzipien wirken können, zeigt sich in der Arbeit mit Modellen:

_» Auf einer alten Betontreppe steht das Modell._ _Die harten, schrägen Linien der Stufen zerschneiden den Raum._ _Mit einem ausgestellten Bein oder einer leichten Verlagerung des Oberkörpers fängt der Körper die Linien auf, folgt ihnen oder widerspricht ihnen._ _Architektur und Körper verweben sich zu einer gemeinsamen Bewegung; die Grenze zwischen Raum und Mensch beginnt zu verschwimmen._

_» Vor einer spiegelnden Glasfassade lehnt das Modell entspannt zurück._ _Lichtreflexe zerlegen die Fläche, kreuzen Gesicht und Schultern, wandern über Haut und Stoff._ _Die Linien des Lichts überlagern sich mit den Linien des Körpers. So entsteht ein vibrierendes Gewebe, in dem Mensch und Umgebung miteinander atmen._

_» Auf freiem Feld, wo Stromleitungen hoch über dem Kopf den Himmel zerschneiden, tritt das Modell in den offenen Raum._ _Ein ausgestreckter Arm, ein geneigter Kopf nimmt die Richtung der Linien auf oder bricht sie bewusst._ _Der Körper wird zum Resonanzraum für die Kräfte, die durch die Landschaft schneiden._

_» Zwischen den aufragenden Baumstämmen eines Waldes bewegt sich das Modell wie zwischen den Takten einer unsichtbaren Partitur._ _Eine aufrechte Pose bringt Ruhe und Statik; eine tanzende Drehung stört die Ordnung, reißt sie auf._ _Der Körper antwortet auf die vertikalen Linien der Natur._

_» Schließlich auf nassem Asphalt nach einem Regenschauer: Das Modell schreitet über einen Zebrastreifen._ _Die Spiegelung der weißen Balken verzerrt sich auf der feuchten Fläche, bricht sich an den Füßen, folgt oder widerspricht der Bewegung._ _Jeder Schritt wird zu einer Neuschreibung der Linien im Raum._

In all diesen Szenen geht es nicht mehr darum, was abgebildet wird, sondern wie der Mensch Raum durch Linien erschafft, spürt, auflöst oder neu entstehen lässt. Das Modell wird nicht dargestellt – es gestaltet. _Es wird zur Achse, um die sich der fotografische Raum aufspannt._

Dieser Blick auf Linie, Form und Raum bleibt nicht auf die Photographie beschränkt. _Man findet ihn auch im Film, im Grafikdesign, in der Architektur der Moderne._ _Man denke an Fritz Langs „Metropolis“, wo Körper und Architektur zu einer gemeinsamen Choreografie verschmelzen._ _Oder an die Plakate des Bauhauses, wo Menschen nicht porträtiert, sondern durch Flächen und Linien neu komponiert werden._ _Auch dort geht es nicht um die Abbildung der Wirklichkeit, sondern um die aktive Formung von Raum._

Für die fotografische Praxis heute bedeutet das: Sehen heißt nicht, die Welt zu erfassen – es heißt, sie zu bauen. _Jeder Blick, jede Körperhaltung, jede kleine Verschiebung eines Arms oder einer Schulter wird zur bewussten Entscheidung über Raum, Spannung und Rhythmus._ Wer mit diesem Bewusstsein arbeitet, verwandelt die Kamera in ein Instrument der Raumschöpfung. _Der Mensch vor der Linse wird nicht festgehalten – er wird freigesetzt, inszeniert als aktiver Teil eines lebendigen Bildraums._

Am Ende bleibt vielleicht die wichtigste Lehre der Avantgarde: Photographie beginnt nicht mit der Welt da draußen – sie beginnt mit der Art, wie wir Linien sehen, spüren und setzen. _In jedem Augenblick, in jeder bewussten Bewegung des Modells entsteht neu die Möglichkeit, Raum nicht nur zu zeigen, sondern ihn zu erschaffen._

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Die Diskussion um den Fortschritt in der Musik unter besonderer Berücksichtigung der „Darmstädter Ferienkurse“

Posted by PM-Ersteller - 15/01/21 at 09:01:57 a.m.

Helmut Wäldele untersucht in „Die Diskussion um den Fortschritt in der Musik …“, warum der Fortschrittsgedanke in der Kunst und der Musik weitgehend obsolet geworden zu sein scheint.

Dieses Buch war zuerst als Dissertation geplant und wurde im Vorfeld der Disputatio zur Erlangung des Doktortitels vom Doktorvater zweimal abgelehnt. Da der Autor aber nach wie vor die Auffassung vertritt, dass die Frage des Fortschritts in der Musik gerade unter heutigen kulturellen und künstlerischen Bedingungen eine eminent wichtige ist, und dass der kulturelle und künstlerische Kahlschlag unter Corona-Bedingungen das Problem des Fortschritts in der Musik wie in der Kunst allgemein wieder brandaktuell auf die Tagesordnung gesetzt hat, gibt dieses Buch, am Beispiel der internationalen Darmstädter Ferienkurse für Musik, hochinteressante Einblicke und Ausblicke künstlerischen und kompositorischen Schaffens seit der Nachkriegszeit und könnte möglicherweise einen Beitrag leisten, der Kultur und Musik neue gedankliche und philosophische Wege in Zeiten postkapitalistischer neoliberal-globaler Zurichtung der Gesellschaften zu eröffnen.

Das umfangreiche Buch „Die Diskussion um den Fortschritt in der Musik unter besonderer Berücksichtigung der „Darmstädter Ferienkurse“ von 1946 – 1985″ von Helmut Wäldele liefert den Lesern eine spannende Zeitgeschichte der Neuen Musik zwischen 1946 und 1985. Das Buch, so erklärt der Autor, ist vor allem aus der Perspektive einer historisch und hermeneutisch orientierten Kultursoziologie verfasst und weitgehend dem Ansatz der kritischen Theorie wie der aufgeklärten Philosophie verpflichtet. Es richtet sich vor allem an Menschen, die selbst ein Interesse an der postmodernen Musik haben und mehr über den Fortschritt – oder dessen Mangel – in dieser Musikrichtung lernen möchten.

„Die Diskussion um den Fortschritt in der Musik unter besonderer Berücksichtigung der „Darmstädter Ferienkurse“ von 1946 – 1985″ von Helmut Wäldele ist ab sofort im tredition Verlag oder alternativ unter der ISBN 978-3-347-19234-8 zu bestellen. Die tredition GmbH ist ein Hamburger Unternehmen, das Verlags- und Publikations-Dienstleistungen für Autoren, Verlage, Unternehmen und Self-Publishing-Dienstleister anbietet. tredition vertreibt für seine Kunden Bücher in allen gedruckten und digitalen Ausgabeformaten über alle Verkaufskanäle weltweit (stationärer Buchhandel, Online“Stores) mit Einsatz von professionellem Buch- und Leser-Marketing.

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